La vida, su origen y su fin —su inseparable reflejo: la muerte—, aparecen en la historia como uno de los misterios más antiguos y fértiles en símbolos. Desde tiempos remotos, este enigma ha encontrado en la figura femenina una de sus encarnaciones más poderosas: matriz de sentido, cuerpo ritual, territorio de lo visible y lo invisible. Lo femenino, así, no sólo ha representado el principio vital, sino también la conexión con lo ancestral, lo oculto, lo sagrado. En esta serie, la técnica desarrollada por César Rangel —la albigrafía— funciona como un lenguaje visual propio. A través de un proceso en el que una capa pigmentada es intervenida mediante abrasión manual con lija, se va develando lo que ya estaba ahí, latente. Las formas no son pintadas, sino reveladas. Las estrías de albigrafía se despliegan como veladuras del tiempo, mientras los cuerpos emergen entre líneas fluidas, signos que evocan escrituras arcaicas, huellas o fragmentos de un lenguaje olvidado. Ese carácter oracular y ritual encuentra un eco poderoso en una de las piezas trabajada sobre soporte negro: no solo resalta por su contraste visual, sino porque remite al origen, a lo uterino, a la noche primera. Esa oscuridad no es ausencia, sino matriz, fondo desde donde se manifiesta lo sagrado. Cada pintura propone un escenario íntimo, casi ritual, donde lo abstracto y lo figurativo cohabitan. Desde un sincretismo visual y simbólico que reúne tres grandes tradiciones culturales —la mesoamericana, la grecolatina y la judeocristiana—, el cuerpo de la mujer aparece aquí como tránsito, archivo y médium. En el mundo mexica, la Tierra es también una devoradora; en Grecia, el hilo de las Moiras teje el destino; en Jerusalén, María porta la vida y el duelo.

La figura femenina atraviesa estas genealogías con una presencia ambivalente: protectora y violenta, generadora y sepulcral, carne y símbolo. Judith decapita a Holofernes en un acto de justicia sangrienta; Salomé convierte la seducción en castigo; Pompadour gobierna desde lo ornamental. Nombrarlas —como sucede en varias de estas pinturas— es también albigrafiar sus nombres: Carmen, Artemis, Miryam, Fortuna… figuras que se dibujan y se escriben al mismo tiempo, como si la imagen y la palabra compartieran un mismo origen. El trazo serpentino actúa como una fuerza que envuelve o atraviesa los cuerpos, como si tejiera la pintura desde dentro, recordándonos el rol de la serpiente como símbolo de renovación, de tránsito, de muerte y renacimiento. Ese mismo movimiento ondulante parece conducirnos hacia el azul lapislázuli, color sagrado, mineral antiguo que en la pintura occidental fue destinado al manto de la Virgen. Aquí, ese azul adquiere un carácter oracular, como si cada obra fuera un umbral, un altar sin templo. La exposición reúne nueve pinturas donde las composiciones aparecen suspendidas entre el sueño y el presagio. Algunas figuras se resisten a aparecer del todo; otras, apenas contenidas, se derraman en la superficie. No son retratos ni alegorías: son estados, mutaciones, presencias. Señora Lapislázuli no predica ni explica: revela. No impone una verdad, sino que deja que hablen sus capas. En cada una, una mujer. En cada mujer, una puerta.

Emmanuel Alcántara